понедельник, 7 января 2013 г.

Другие мастера эпохи Возрождения: Тинторетто, Кальяри, Понтормо, Уфицци, Бронзино, Арчимбольдо, Челлини

по материалам лекции Натальи Романовой в рамках Культурного Проекта

Якопо Робусти по прозвищу Тинторетто (1518 - 1594 гг.) писал масштабные картины с массовыми сценами, приближающиеся к монументальным (которые в чем-то напоминают Микеланджело). Отличительными чертами его творчества были статуарные фигуры и обилие чёрного.

Тинторетто "Рай"

У Тинторетто было особое видение реальности. Примечательно, что это захватывало не только его современников, но и потомков. Я нашла интересный отзыв о нём Джона Раскина, английского писателя, искусствоведа, художественного критика и поэта XIX-го века: "Я чувствую, как будто передо мной творения не обычного земного художника, а существа с другой планеты, находящейся на миллион километров ближе к Солнцу, чем Земля". 

Картина, как и любое художественное произведение, всегда находится на пересечении того, что задумывал художник, и того, как интерпретирует её зритель. Например, Жан-Поль Сартр предпочёл увидеть в Тинторетто революционера, чуть ли не предвестника идей марксизма. Сартр восхищался темными, коричневыми, грязно-жёлтыми тонами, его очаровывала подчёркнутая бедность Христа и его учеников - как будто Тинторетто бросал вызов меркантильным ценностям богатых Венецианских покровителей художника, что неминуемо делало самого Тинторетто "парией, почти изгоем в своём родном городе"... тем самым приближая его к Христу!

Тинторетто становился источником вдохновения для Эль Греко, Рубенса, Караваджо, Веласкеса и Джексона Поллока, которые с течением столетий всё так же неизменно отмечали необычную манеру художника.

Можно сказать, что Тинторетто был предвестником Барокко.

Паоло Кальяри, также известный как Паоло Веронезе (1528 - 1588 гг.), классический продолжатель традиции Ренессанса. Несмотря ни на что, он остаётся оптимистом до конца. Примечательно, что года его жизни как раз совпали с расцветом Инквизиции.

Паоло Веронезе "Брак в Канне"

Интересная история связана с картиной «Брак в Канне». Сохранился протокол допроса художника Инквизицией - ему вменяли слишком обильные яства на картине и слишком пышные одежды – на что он, не растерявшись, как истинный сын прагматичной эпохи того времени, отвечал, что ему посчастливилось достать большой холст, и он попросту не мог оставить его наполовину пустым и просто обязан был заполнить его фигурами, чтобы отработать свои деньги :)

Якопо Карруччи из Понтормо (1494 -1557 гг.) был ярким представителем эпохи маньеризма. Микеланджело Буонарроти, однажды увидев произведение девятнадцатилетнего юноши Якопо, сказал: «Судя по тому, что я вижу, этот юнец, если только он выживет и будет продолжать в том же духе, вознесет искусство до небес».

Якопо Понтормо "Положение во гроб"

В самом деле, пройдя через ряд экспериментов, Понтормо был признан одним из талантливейших художников своего времени. Его картина «Положение во гроб» символизирует переход к новой эпохе - Средневековью. Математически выверенные в эпоху Возрождения пропорции прекрасного человеческого тела отбрасываются во времена Средневековья, художники жертвуют телесностью во имя подчёркнутой духовности. Об этом свидетельствуют резко удлинённые пропорции тел героев, а также отсутствие теней, очень светлый и ровный колорит.

Лучшим учеником Понтормо был Аньоло Бронзино (1503 - 1572 гг.), котому особенно хорошо удавались портреты.

Аньоло Бронзино. Портрет Биа Медичи, дочери Кjзимо I

Творчество Джузеппе Арчимбольдо (1527 - 1593 гг.) совершенно самобытно и даже чем-то перекликается с сюрреализмом. В то время в ходу были странные штуки, мистицизм, астрология и т.п. Арчимбольдо отличился тем, что создавал свои портреты из из овощей.

 Джузеппе Арчимбольдо. "Лето", "Осень", "Зима", "Весна"

Бенвенуто Челлини первым из творцов Возрождения решает отойти от освещения эпичных событий и глобальных масштабов в своих произведениях и взамен сосредоточиться на прикладном аспекте искусства. По словам Джорджо Вазари, известного итальянского историка искусств, архитектора и живописца, Челлини пользовался заслуженным уважением современников как чудесный и чрезвычайно искусный ювелир, штамповщик медалей и монет, создатель солонок, браслетов и даже красивейшей пуговицы для облачения папы Климента VII.

Также Челлини зарекомендовал себя как талантливый скульптор. Для герцога Козимо он создал статую Персея, отрубившего голову Медузы. Мне посчастливилось в живую увидеть эту скульптуру во Флоренции, и меня поразило, насколько, в зависимости от ракурса, меняется не только динамика композиции, но и выражение лица Персея!

Бенвенутто Челлини. Скульптура Персея с головой медузы, Флоренция

Впрочем, жизнеописание самого Челлини полно безумных приключений, в т.ч. любовных, некоторые авторы изображают его чуть ли не оккультистом (что, впрочем, вполне соответствует духу и суевериям того времени).

Челлини относят к представителям эпохи маньеризма. Он добровольно, если можно так выразиться, переводит себя на роль "обслуживающего персонала" – то есть придает искусству не монументальный, как было ранее, а прикладной характер. Это приводит к тому, что в глазах общества  преуменьшается роль творца и часть общественного пиетета больше не переносится на художника.

Таким образом, с конца 16 – нач. 17 ст. искусство разделяется на монументальное (или высокое) и прикладное. Верхнее и низовое. Прекрасное, но подчас ужасное - или изящное, но несколько пустое (также известное, как beaux art).

Именно с Челлини началось непонимание общества и художника, недооценивание таланта и диссонанс между моральным и материальным признанием художника. Где-то в дебрях эпохи Возрождения потерялся общий дух людей, понимающих высокое искусство, и по праву признающих настоящих мастеров. Потерялся, и так и не найден до сих пор.

суббота, 7 апреля 2012 г.

Обо мне

Я просвещенный дилетант,
Ловлю чужое вдохновенье,
Пытаюсь задержать мгновенье
Принадлежащее другим.

Я эстетический сектант,
Я кровопийца впечатлений,
Питаюсь я пыльцой нетленной 
Чужих побед, чужих наград.

воскресенье, 11 марта 2012 г.

Великие мастера Высокого Возрождения: 
Рафаэль, Джорджоне, Тициан


                                                                             по материалам лекции Натальи Романовой в рамках Культурного Проекта 

Невозможно обделить вниманием культового героя классики - Рафаэля Санти (1483 - 1520). Когда в Болонье открыли факультет искусства, он стал просто эталоном. Рафаэль, в отличие от Микеланджело, не был бунтарём, напротив - охотно рисовал заказы для папского двора. Создаёт целую серию Мадонн за свою недолгую жизнь (для сравнения, Микеланджело прожил 95 лет, а Леонардо - 67). Правда, Рафаэль, если сравнивать его с Микеланджело и Леонардо, не занимался почти ничем, кроме живописи - только архитектурой.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна (ок. 1513 - 1516 гг)

«Сикстинская Мадонна» - одно из самых известных творений Рафаэля. Его Мадонна охарактеризована как «утешение в старости и дающая надежду в юности». Однако, неоднократно было замечено, что красота и величие этой картины открываются постепенно, с первого раза полотно не производит особого впечатления. Как писал Лев Толстой: "Мадонна Сикстинская... не вызывает никакого чувства, а только мучительное беспокойство о том, то ли я испытываю чувство, которое требуется". Зато потом, кода во второй или в третий раз вглядываешься в картину, начинаешь замечать глубокий психологизм, с которым выписаны персонажи - это и трагичный взгляд Марии, которая, кажется, знает, что несёт своего сына на землю на верную гибель; и раболепный и восхищённый взгляд папы Сикста; и несколько смущенный взгляд Варвары, которая будто бы свысока и непонимающе смотрит на всё, что творится на земле; и, наконец, неповторимый шарм скучающих ангелочков на первом плане. Можно долго и красиво изощряться в высоком слоге, описывая предгрозовое состояние природы на картине, и то, как искусно Рафаэль замкнул все акценты в композиции на фигуре и взгляде Марии, но я лишь процитирую одну строфу из стихотворения  Афанасия Фета "К Сикстинской Мадонне", в котором очень верно, на мой взгляд, описаны чувства, вызванные созерцанием картины: 

"...Здесь угасает пред Тобой тревога.
Такой Тебе, Рафаэль, вестник Бога,
Тебе и нам явил Твой сон чудесный
Царицу жен - Царицею Небесной!"
              Рафаэль. Мадонна в кресле. 1513 - 1515 гг.                                Рафаэль. Мадонна Конестабиле. 1500 - 1502 гг.

Следующие две картины - "Мадонна в кресле" и "Мадонна Конестабиле" (или, как её ещё называют, "Мадонна со щеглом") - удивительны тем, что композиция вписана с круг – при этом легко и непринуждённо. А это довольно сложно. Рафаэль заимствовал у Леонардо Его иконографию – на картине  "Мадонна в кресле" изображена Мадонна с двумя младенцами – Иисусом и св. Иоанном. Отличие между Леонардо и Рафаэлем, этими двумя титанами своей эпохи, состоит в том, что, повторюсь, если Леонардо сам изобретал иконографию, то Рафаэль всецело следовал указаниям Папы. При этом Рафаэлю искусством того времени отведена важная роль – зачинателя и продолжателя традиции. Он связывает воедино Ренессанс и Класицизм. 

Леонардо даёт свободу рефлексии – каждый понимает его картины по-своему. А вот Рафаэль очень по-средневековому символичен, очень «читаем». Подтверждение этому мы видим в картине «Мадонна со щеглом». Существует предание, объясняющее, почему у щегла красная грудка - ведь он вытащил шип из тернового венца Христа, и кровь брызнула на его грудку. Другой символ, который внимательный зритель найдёт на картине - это растение жёлтый дрон - символ непритязательности и скромности. Рафаэль как будто говорит, что на самом деле нам почти ничего не нужно, чтобы вести активную духовную жизнь.

Характерными чертами творчества Рафаэля являются обилие символов и сдержанный колорит. Бернард Бернсон в своей книге «История живописи в Италии» пишет, что итальянскую живопись можно разделить на 2 школы: флорентийцы больше внимания уделяли рисунку и композиции, а венецианцы – цвету.

Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, известный как Джорджоне (1476 - 1510 гг.) – талантливый художник, который умер молодым во время чумы, оставив после себя несколько произведений. Напр., картину «Гроза».

Джорджоне. Гроза, 1505 - 1508 гг.

Умберто Эко в книге «История красоты» - причисляет «Грозу» к жанру маньеризм: одной из черт маньеризма является растерянность персонажа перед лицом жизни.

Загадка, которую через свои картины задаёт зрителю Леонардо, остаётся без ответа, ведь кроме него ответа никто не знает. В отличие от Леонардо у Дорджоне в картинах есть какая-то сюжетная загадка, на которую явно существует отгадка!

Тициан Вечеллио (1476 - 1576 гг.) – более молодой и удачливый живописец (ведь он пережил эпидемию чумы, от которой Джорджоне умер). Основной акцент в творчестве ставил на цвет, а не на композицию. Леонардо с иронией говорил о нём: «хороший художник, только, к сожалению, слабый рисовальщик». У Тициана персонажи начинают испытывать растерянность, беспокойство, испуг перед жизнью (чего не было у Леонарно и Микеланджело – их герои либо были заняты самолюбованием, либо пребывали в блаженстве, либо боролись со всем миром). Император Карл 1, автор крылатого выражения «над моей империей никогда не заходит солнце», с большим пиететом относился к Тициану и сделал его популярность общеевропейской. Не считал зазорным поднять упавшую кисть Тициана.

Тициан. Венера, Купидон и куропатка. 1550 г.                                   Тициан. Венера, купидон и органист. 1548 -1549 гг.

Во времена Тициана появляются подделки – поскольку Тициан не мог всех обслужить, другие, менее удачливые художники продавали свои работы как тициановские по тициановским ценам.

Тициан. Святой Себястьян

«Святой Себатьян» - потрясающе драматическая картина. К концу жизни Тициан перейдёт почти уже к импрессионистической манере писать: широкими мазками, слоями, которые накладываются друг на друга. Тициан писал эту картину старческой рукой с привязанной к ней кисточкой. К разговору о руках – мастера видно по тому, как он пишет не только руки, но и чёрное по чёрному – у не вполне мастера вместо чёрного Вы увидите провал. 

среда, 22 февраля 2012 г.

Возрождение в Италии. Вселенная Микеланджело

по материалам лекции Натальи Романовой в рамках Культурного Проекта

Ещё одним титаном эпохи Возрождения был Микеланджело ди Лодовико Буонаротти (1475 - 1564 гг.), ученик Леонардо и по совместительству отличный скульптор! Микеланджело был единственным из мастеров того времени с аристократическим, а не плебейским происхождением (скульптура считалась ремеслом и учились этому ремеслу, в основном, простолюдины – за исключением Микеланджело). Вообще у Микеланджело был тяжелый и упрямый характер, по словам его современников. Возможно, это в немалой степени способствовало его профессиональному становлению.

Леонардо оставил после себя пассаж о верховенстве живописи над скульптурой – ведь живопись оперирует цветом. По его словам, Художник, работая над картиной, обычно стоит в чистой рубашке, с холёными руками, между делом то прихлёбывая вино, то отщипывая виноградинку и, одновременно, ведёт приятную беседу с молодой красивой моделью, в то время как Скульптор, весь в пыли и грязи, таскает камни, как последний рабочий на каменоломне.

Видимо, ирония учителя лишь подстегнула Микеланджело к достижению цели.

Микеланджело. Мадонна Брюгге

Одна из первых работ Микеланджело - скульптура «Мадонна Брюгге». Между регионами Брюгге и Флоренцией шла активная торговля. И скульптура Микеланджело была подарком городу для закрепления хороших торговых отношений.

Микеланджело. Оплакивание Христа (Pieta). 1499. Собор Св. Петра, Рим, Ватикан

Впоследствии М. доработал «Мадонну Брюгге»  и создал удивительную по силе внутренних эмоций скульптуру «Оплакивание Христа». В ней Микеланджело изобретает собственную иконографию. По одной из версий Христа сняли с креста ещё живого – и свидетелем его последнего вздоха, как и первого, была его мать. Примечательно, что Мадонна изображена такого же возраста, как Христос - М. удивительно проиллюстрировал строфу из "Божественной комедии" Данте, где говорится про Богоматерь как про "дочь своего сына".

Анкета, придуманная Анной Ахматовой, разделяет людей, в зависимости от их выбора – чай или кофе? Собака или кошка? Пастернак или Мандельштам? - На экставертов или интравертов, а также оптимистов или пессимистов.
  • Те, кто выбирают чай-собаку-Пастернака – чаще оказываются экстравертами оптимистами;
  • Те же, кто любит кофе-кошек- Мандельштама – интровертами пессимистами.
Так и людей можно разделить на тех, кто любит Леонардо да Винчи (экстр.опт.) или Микеланджело (интр.песс.)

Микеланджело. Давид. 1501-1504 гг. Академия, Флоренция

Скульптура «Давид» - выдающееся произведение хотя бы потому, как Микеланджело слепил руки. Правая и левая рука, пассивная и активная, каждая по-своему прекрасна. Если обойти скульптуру кругом, то с каждой новой точки обзора будет меняться выражение лица Давида – от приветливого до грозного!

У М. был тяжёлый характер, острый язык (напр., он мог нагрубить Папе Римскому) и трезвый взгляд на вещи (совсем не романтичный, по меркам эпохи). И это нашло отражение в его творчестве.
Микеланджело. Моисей

В статуе «Моисей» усматривают автопортрет Микеланджело.

М. расписывал Сикстинскую капеллу (а также проектировал архитектуру в других работах).

Микеланджело. Создание Адама. 1508-1512 гг. Сикстинская капелла, Рим, Ватикан

«Создание Адама» - одна из наиболее растиражированных его картин. Она олицетворяет, что последней точкой создания человека является касание. Соединение рук, соединение душ. «Статуарность» работ чувствуется у М. - он всегда оставался скульптором и мыслил трёхмерно, скульптурно – даже картинам Микеланджело характерно сведение к живописному минимализму в цветах – это хорошо соответствует монументальной живописи (в противоречие плоскостному мышлению Средневековья)

Микеланджело. Фрагмент картины "Страшный суд". 1508-1512 гг. Сикстинская капелла, Рим, Ватикан

В картине «Страшный суд» впечатляет каждый фрагмент.

Площадь Капитолия в Риме

Микеланджело также успел отметиться как архитектор: он успешно спроектировал «Ансамбль Капитолия в Риме».

А закончить характеристику Микеланджело хочется, по уже сложившейся традиции, цитируя стихотровение Бодлера "Маяки": 

"...Микеланджело, выси туманные зыбки, 
Здесь легко перепутать Геракла с Христом; 
Разрывающих саван могучих и гибких 
Пальцев хруст. Близкой ночи фантом".

понедельник, 6 февраля 2012 г.

Возрождение в Италии. Вселенная Леонардо да Винчи
по материалам лекции Натальи Романовой в рамках Культурного Проекта

Высокое Возрождение (или Чинквеченто) длилось с 1500 по 1525 гг. Его ярчайшими представителями были Паоло Веронезе, Леонардо да Винчи, Джорджоне, Франческо Мельци, Микеланджело Буонаротти, Рафаэль, Тинторетто, Тициан Вечеллио и др.

Настоящим идеалом человека Возрождения, учёным, инженером, естествоиспытателем, художником был Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Художественную грань гения отлично описал А.М. Эфрос в своём трактате «Леонардо – художник». Мистическую грань попытался разгадать Ден Браун в бестселлере «Код да Винчи»


Леонардо да Винчи. Благовещение. 1472-1475 гг.

В своей дипломной работе «Благовещение» Леонардо показывает всё, что умела на тот момент флорентийская живопись: в картине есть и перспективное построение, и органичное совмещение переднего и заднего плана, и чувство ритма, и, наконец,  любимое сочетание  цветов флорентийских живописцев: зеленоватый с красноватым, а также жёлтый с синим.

Его полотнам присуще так называемое «Обаяние Леонардо» - он тихо берёт нас за руку и, не говоря лишнего, подводит к картине как, напр., в произведении «Мадонна Бенуа». Интересно, что в своих записках Леонардо не давал никаких комментариев к своим картинам – он предпочитал, чтобы они говорили сами - это одна из важных черт его творчества.

Мадонна Бенуа                        Св. Анна с Марией и младенцем Христом              Мадонна в скалах

Картина - это окно в мир. А окно в окне открывает нам ещё большую глубину. Новаторство Леонардо в том, что в окне в картине он не показывает нам ничего, кроме незамутнённой голубизны неба. Действие может находиться где угодно, сопровождаться чем угодно, ведь важен совсем не антураж, а то, что внутри. Что за чувства при этом хотел вызвать у нас художник? Подвешенность? Лёгкость? Эфемерность мира?

«Св. Анна с Марией и младенцем Христом» - зрелая картина, её отличает редкий «марсианский» или «лунный» пейзаж, а также загадочная полуулыбка, столь характерная для персонажей Леонардо. Также очень необычно, что мама Христа (Мария) и его бабушка (Анна) изображены почти одного возраста. Видимо, это должно было символизировать духовное родство, а также, что в душе человек никогда не стареет. Значит ли это, что Л. писал душу своих персонажей, а не только телесную оболочку? 

Ещё одна интересная картина – «Мадонна в скалах». Леонардо был первым, кто начал переписывать свои картины с небольшими вариациями через определённый промежуток времени. Как будто переосмысливая для себя определённые этапы своей жизни, возвращаясь к её урокам и чуть меняя выводы, которые делал – как менял он акценты в картине.
 

Леонардо да Винчи. Фреска "Тайная вечеря" в церкви Санта-Мария дела Грациа, Милан.

«Тайная вечеря» - единственное монументальное произведение Леонардо. Он работал над этой фреской в течении 10 лет. При этом сама фреска была написана сравнительно быстро, а 10 лет художнику понадобились, чтобы «выносить» лики Христа и Иуды. Картине присущ чёткий, изысканный ритм (особенно это заметно по изящным движениям рук и по ритмике повернутых голов).


Леонардо да Винчи. Джоконда. Лувр. нач. XVI в.

И, конечно же, нельзя обойти вниманием знаменитую на весь мир картину «Джоконда». Чем же этот портрет жены флорентийского купца, написанный под заказ, завоевал мировую известность? Возможно, секрет в том, что великому живописцу удалось передать высокие духовные качества модели – а Джоконда, вторая молодая жена купца Джокондо, действительно была образцом благочестия и, кроме того, стала отличной матерью для падчерицы – что, согласитесь, редко встречается. Л. Взялся за эту картину, при этом отказавшись писать портрет герцогини… Что же им двигало? Существуют разные мнения на этот счёт. В одной из версий предполагается, что Л. писал свою женскую половину андрогина.

Об андрогинах. Платон описывает древнегреческую легенду, согласно которой в незапамятные времена люди состояли из двух половин: мужской и женской, женской и женской или мужской и мужской. При этом у них было по 2 пары рук и ног, 2 головы, шарообразное туловище. Андрогины были невероятно сильными, ловкими и умными, и боги, боясь, что их свергнут, разделили андрогинов пополам. С тех пор люди бродят по свету в поисках своей утраченной половины, надеясь обрести цельность.

По каким-то причинам Л. не отдал картину заказчику – вместо этого её купил король Франциск за 4000 экю – баснословная сумма для того времени. Король любил картину как икону и во все свои путешествия брал её с собой - возил в карете.

Довольно интересна история похищения «Джоконды» – итальянский столяр, обиженный в своих патриотических чувствах тем, что картина его флорентийского земляка, итальянца, выставляется во Франции, решил восстановить историческую справедливость и украл картину из Лувра. Это было тем более легко сделать, учитывая, что во время ремонтных работ в музее экспонаты не очень тщательно охранялись. Когда горе-грабителя всё-таки поймали, в его поддержку развернулась широкомасштабная рекламная кампания итальянской творческой элиты того времени (художники, оперные певцы и т.д). В итоге властям ничего не оставалось, кроме как выпустить столяра-похитителя «условно».


Франческо Мельци. Коломбина. Эрмитаж. 1520 г.

У Л. были ученики, которые растиражировали его «фирменный знак» - загадочную улыбку. Напр., картину ученика Леонардо Франческо Мельци «Коломбина» (или, как её ещё называют, «Флора») – долгое время приписывали кисти самого Леонардо.

Жизнь Леонардо и его творчество плотно окутаны флёром загадочности. Нам остаётся только фантазировать, как всё было на самом деле, или - творчески осмысливать его творения и вдохновляться ими на новые произведения. Как, например, сделал Шарль Бодлер в своем стихотворении "Маяки":

"...Леонардо да Винчи, в своём зазеркалье туманном, 
В заточении вечном среди сосен и льда, 
С чуть заметной улыбкой о чем-то сказать несказанном
Ликов ангельских вдруг промелькнёт череда."

Одна из версий происхождения знаменитой улыбки гласит: в то время Италия была портовыми воротами в мир. И поскольку в Италию начинают поступать восточные скульптуры, неудивительно, что улыбка Джоконды становится похожей на улыбку Будды: перед нами благополучная тишина человека, пронизанного внутренней молитвой.

Согласно другой версии, развивается археология, и вполне возможно, что Леонардо находил вдохновение в этрусских вещах (греческие этруски тоже любили полуулыбки).

А какие версии происхождения «леонардовской» улыбки знаете Вы?